Kunst fra XX-tallet i vår-sommer samlinger

I EN KONSTANT VANDERHUS snakker om trender fra podiet som kan tilpasses for garderoben din i de neste seks månedene. I dette nummeret håndteres den lyseste trenden av sesongkunst, som dukket opp i vårsommersamlinger av designere fra Prada til Prabal Gurung.

Hvordan alt begynte

Ideene i kunstverdenen har alltid påvirket design av klær og tekstiler. På 1920-tallet påvirket avantgarde og Fauvists, ledet av Henri Matisse, mote, som kan spores i Paul Poirets klær. Madeleine Vionne var glad i kubisme og brukte geometriske former og linjer i klær, og den futuristiske kunstneren Ernesto Tayat designet logoen for huset hennes Vionnet. På 30-tallet kom lidenskapen til surrealisme. Elsa Schiaparelli skapte knapper i form av candies og peanøtter og var venner med Salvador Dali og Jean Cocteau, som viste silkekjole med hummer, jakken, som viste en kvinne hvis langt hår løp ned i ermet og armene viklet rundt midjen. Disse og andre ideer vil oppstå mer enn en gang i moderne designere, inkludert russisk (tenk på samlingen av Alexander Terekhov Autumn-Winter - 2013).

50- og 60-tallet ble en tid da mote, musikk og kunst sammenflettet, og fremveksten av farge-fjernsyn fullførte gjennombrudd av visuell kultur. Samtidig har en forbruk, replikasjon og massemarked kommet fram - alt som ikke har mistet sin posisjon hittil. Unge mennesker strømmet inn i kreative høyskoler og universiteter, og i London og New York ble det fasjonabelt å være designer, fotograf, modell, grafikk eller mote designer (og aldri opphørt). Designere omskolert til rockstjerner (for eksempel Pete Townsend fra The Who eller Keith Richards fra The Rolling Stones), og kunstnere opprettet plakater til konserter og albumcover, da kunst dukket opp på hver lygtepost.

Navnene på popkunstnere kjenner alt: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - de var de første som gjenspeiler forbrukerne og populærkulturen, som viser hva som interesserer folk her og nå (reklame, fjernsyn, varer fra butikker). Faren til popkunst anses å være broren Richard Hamilton, som opprettet den aller første og mest berømte collagen "Så hva gjør våre hjem idag så annerledes, så attraktivt?" i 1956. Roy Lichtenstein eksperimenterte med bilder av tegneserier og tegneserier. Andy Warhol, før han ble kunstner, fungerte som illustratør, virket det, i alle de fasjonable redaksjonene i New York, fått de riktige tilkoblingene og ga det grønne lyset til blandingen av sjangere. John Cale of Warhols sponsede The Velvet Underground var gift med mote designer Betsy Johnson, som nylig gjenopptok klærproduksjon i en alder av 72 år. På den tiden skapte Betsy morsomme T-skjorter under Youthquake-etiketten og jobbet i en av de viktigste New York-butikkene av tiden - Paraphernalia på Madison Avenue, som samarbeidet med Edie Sedgwick og Warhol, som igjen malte papir til butikken. mini kjoler og shopper poser (engangs klær kom i mote da).

Det var i løpet av 60-tallet som det var behov for billig og rask design - butikkene reagerte raskt på folks ønsker. For eksempel oppdaterte Biba-butikken på Abingdon Road sine samlinger hver uke - dette er en teknikk som nå driver massemarkedet. Twiggy skrev: "Alt gikk ut av mote like raskt som det kom. Men det var bare det moderne som tiltrak, det dyttet bort alt gammelt."

Å ignorere popkunst var umulig. Yves Saint Laurent oppfunnet som svar strikkede kjoler med applikasjoner i form av hjerter, kvinnelige profiler, samt lepper, som nylig tolket Edie Slimane. Etter Saint-Laurent-samlingen "Mondrian" i 1965, skapte Stephen Willats en lignende kjole "Changing Sheets", men bare fra nymodig vinyl. Pierre Cardin eksperimenterte med vinyl, og Roy Halston opprettet kjoler med Warhols "Blomster" fra 1964, som Miuccia Prada sitert i vårens sommersamling i 2013.

På 1980-tallet vil kunstneren Keith Haring, kjent for sin popkunstgraffiti, åpne Pop Shop i New York, hvor han vil selge T-skjorter med sine verk. Vivienne Westwood vil også jobbe med Haring på 80-tallet i heksekolleksjonen, hvor briterne vil gjengi kunstnerens verk med lysende farger, og i dag brukes Harings verk på T-skjorter av Uniqlo-merkevaren, som også ga ut et samarbeid med New York Museum of Modern Art. I 1991 vil popkunst igjen bevise seg: Den italienske Gianni Versace vil skape en tettsittende kjole med en utskrift av stencilsyreflater Marilyn Monroe og James Dean, og hylle Andy Warhol. Et komplement til de uforenlige fargene på kjolen vil være en bustier i showgirl-stil, dekorert med rhinestones og tekstilapplikasjoner. Young Naomi Campbell vil dukke opp i denne kjole, og Condé Nast President Nicholas Coleridge vil merke at Versace-klienten ikke er belastet med "høy moral".

Slik bærer du ting inspirert av kunst, nå

Designere er ikke den første sesongen for å se på kunst, og deretter sette på klær, reproduksjoner av kjente artister (Bosch og Gauguin blir ofte sitert her), og samarbeider med samtidskunstnere. Men denne sesongen ble det lagt merke til popkunst, men det gjorde ikke uten Gauguin (vi så hans reproduksjoner på Aquilano.Rimondi-showet og i couture-samlingen Maison Martin Margiela). Med 60-tallet og popkunst er moderne mote relatert og kommersialisering av mote og kunst. Den mest slående manifestasjonen av popkunst var Prada-samlingen - Miuccia Prada gjentok arbeidet med samtidskunst og gatekunstnere: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra og andre. I tillegg er flere merker som produserer elegante clutcher blitt populære: Sarah's Bag har funksjoner av Roy Lichtenstein, Yazbukey skaper lyse clutcher i form av en pakke sigaretter eller tannkrem, den britiske Lulu Guinness - i form av lepper. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott og Ashish på popkunst, hunden spiste: her du og Coca-Cola, og en utskrift i form av forebygging på TV.

I tillegg citerer Jeremy Scott i samlingen av neste sesong for Moschino, som viser omslagsklær, de første tingene som ble opprettet for reklame i 1956, nemlig kjoler og skjørt av midi Martini Label lengden, utsmykket med merkevarenes logoer slitt av de første rockevifter. Rulle for gratis festivaldrikker. Christopher Kane lager skjørt med en utskrift i form av replikerte farger, og husker arbeidet på 60-tallet. Raf Simons for Christian Dior bruker teknikken til pop art - logomania. Missoni er inspirert av japanske tegneserier. Kenzo citerer moderne grafikk og skisser med blyanter. Prabal Gurung lager Marilyn Monroe hyllest. Preen brukes på kjoleabstraksjonen.

Flere merker ble umiddelbart inspirert av abstrakt ekspresjonisme, først og fremst av verkene til Jackson Pollock og Mark Rothko. I Chanel-samlingen trykte Lagerfeld trykker på klær i form av lyse sprut av maling og prydde utstillingsrommet med 75 kunstverk med symboler på Chanel-huset; malerier, skulpturer og installasjoner etter showet ble flyttet til Grand Palais i Paris. Før han dro av Jil Sander, inkluderte Gilles Zander også flere buer med abstrakte utskrifter i sin siste monokrome vårsommerserie. Phoebe Failo har gitt ut samlingen Сéline, det ser ut til å bli matchet av Fauvism og en stor utstilling "Henri Matisse: The Cut-Outs, som går til Tate Modern til september. Selv Calvin Klein inkluderer en bue med abstrakte utskrifter.

Som britisk designer Jonathan Anderson sier, viser non-profit samlinger som kritikere har tenkt på lenge: "For meg har mote aldri vært en kunstform. Du kan ikke sammenligne en kunstner og en designer. Både mote og kunst blir kommersialisert i dag." Forskjellen er at kunst ikke faller på salg, men tværtimot har det gjennom årene økt i pris, men en sjelden kjole kommer inn i motemuseet.

BEWARE!

Små demokratiske merkevarer har lenge elsket å bruke kunst til kommersielle formål, men de gjør det vanligvis på en frontal måte. Vokt dere for tvilsomme gensere eller vesker med reproduksjoner av Bosch, Van Gogh eller en boks med Campbell-suppe. Hvis du ikke er klar til å betale for arbeidet til en flott kunstner på et dyrt kjørt, er det bedre å velge ting med abstrakte trykk - det finnes for eksempel i Zara-samlingen. Et godt kjøp vil være en ting fra et samarbeid med samtidskunstnere. Og husk det viktigste - uvanlige ting krever omhyggelig drift: kombinere dem med noe minimalistisk, og la den hypertrofierte eksentrisiteten til Joan Aguzarova og Andrei Bartenev.

bilder: Tate Modern, Getty Images (4)