5 russiske merker som ikke deler klær og kunst

De siste årene i Russland dukket opp mange lokale merkevarer som produserer klær for livet: grunnleggende, sporty, elegant, veldig forskjellig. Men i jakten på kommersiell suksess, mister unge designere ofte sin kreative komponent, slik at alle verk ser ut som mistenkelig lik. Vi valgte unge kunstnere, for hvem design forblir et felt for eksperimentering, i motsetning til den fremvoksende trenden av universalitet.

Faktivt ansikt

Grunnleggeren av merkevaren, Lusine Avetisyan, studerte ved St. Petersburg kunstakademi oppkalt etter Stieglitz, hvor hun eksperimenterte mye - selv om lærerne ikke var interessert i hennes kreative kaste. Men uvanlige samlinger - med komplisert kutt, korsetter, mange draperier, en overflod av håndlagde friller, rhinestones og blomster - sa Frank Sozzani - slik fikk Avetisyan tittelen Best Project i Vogue Italia Talents konkurransen. Etter å ha jobbet som stylist i flere år, reiste designeren helt tilnærming til arbeid - dette ble også hjulpet av deltakelse i Milanos messeshow Pitty Super. Der møtte hun Maria Ter-Margaryan, som ga Lusine oppmerksomhet om ikke å leke med designet, men å jobbe med utskrifter slik at originaliteten til forfatterens tegning var synlig i klærne.

"Bølgen av kunstimplementering på alle områder av design har gått," sier Lusine, "begynner med sweatshirts med utskrifter og reproduksjoner og slutter med samarbeid av store motehus med kunstnere. Det er kult at kunst er nå fasjonabelt: kunst kan overføres til en hvilken som helst overflate "Et objekt som er tilgjengelig for kjøp og drift. Selvfølgelig er jeg villedende hvis jeg sier at den kommersielle siden ikke plager meg - likevel er uttrykket for kreativ visjon avgjørende. Jeg vil tro at handel går hånd i hånd med kreativitet og ikke bry jeg har det. " Nå er de Factive Face-kolleksjonene parret med februar først (de neste på denne listen) presentert i Finn et navn showroom i Paris.

Februar først

Søstrene Daria og Anastasia Zhilyaev har uteksaminert seg fra Firenze-skolen Polimoda og bor og jobber nå mellom Firenze, Rotterdam og deres opprinnelige St. Petersburg. Navnet på merkevaren refererer til bursdagen til grunnleggerne: de oppsto begge i første februar, men med en forskjell på fem år. Februar Første klær forteller litt mystisk historie: hypertrophied volumer, intrikate broderier, uvanlige materialer som vegansk hud laget av sopp. Jenter innrømmer at deres estetikk har det sterkeste svaret fra kunder i Storbritannia og Asia. Det er bemerkelsesverdig at jentene samarbeider med tredjeparts artister. For eksempel, med Liza Smirnova, som jobbet på en serie utskrifter for februar første ting.

"Jeg synes at hvis du bestemmer deg for å gjøre kompliserte ting, må du ikke gå tilbake", forklarer Daria. "For eksempel elsker min lærer fra Polimoda Andrea Kammarozano å jobbe med gal design, og hans agent forteller stadig å gjøre ting til salgs lettere - da tilføyer han lydig T-skjorter Vel, da et par uker før Paris showroom, forferdet av det faktum at han forrådte seg, skaper en svært kompleks, helt uadapt for livstrømer, og selvfølgelig velger kjøperne det. Og de bestiller mye på en gang.

Vi står også overfor dette. For Briofit-samlingen har vi gjort mange enkle ting, og de er alle dessverre usolgte her, og den grå jakken med et hull i ryggen og store ermer, som vår designer sa: "Dasha, jeg vet ikke hva det er" bestselger, vi syr det fortsatt på bestilling. Min erfaring viser at for at et kunstdesignprosjekt skal være kommersielt vellykket, bør vi i intet tilfelle forsøke å tilfredsstille alle. De gutta som elsker uvanlige ting, veldig lojale kunder, de vil gi deg gode inntekter. Men ikke fornærme dem ved å legge grunnleggende jeans til samlingen. Dette er ikke akkurat tilgitt. "

Evgenia Barkova

Eugenia er en sertifisert språkforsker. Hun anser hennes første utdanning som en viktig livsleksjon: "En femårig feil hjalp meg til å forstå to ting: Først må du høre deg selv, for det andre, la det være noe, ikke en rutine. Jeg tror disse to prinsippene jeg underbevisst følger i alt - inkludert design ". Barkov fullfører nå sine bachelorstudier ved British Higher School of Design. En designer er ganske romantisk syn på ting: det er ikke så viktig om en designidee forvandles til et utilitaristisk objekt eller forblir et vakkert konsept - det viktigste er at det gir følelser til en potensiell kjøper.

Jenta innrømmer at hun ikke forstår hvorfor avantgarde og kunst ofte står i motsetning til kommersiell suksess: "Den aller essensen av moderne mote er en konstant bevegelse fremover, bransjen er basert på den. Og hvis du ikke er overrasket fra sesong til sesong, farvel. De fleste moteutstillingene i dagens modersekker er avantgarde: Raf Simons, JWAnderson, Proenza Schouler og samme Prada er super vellykkede kommersielle designere som, så vidt jeg vet, trekker inspirasjon fra moderne kunst. kunstnerisk verdi med verk K Unsa eller Quinn. Og den nåværende Gucci? ... Selvfølgelig, ikke alt er utvetydig. Min favoritt, utrolig talentfulle Meadham Kirchhoff og Thomas Tait droppet ut av løpet. LVMH giant. Likevel fungerte det ikke, selv om ting var nyskapende. "

Eugene mener at hvis ideen er kult, kan du i alle fall gjøre en bærbar samling: "Ideen er alltid primær. For meg er denne tilnærmingen nå prioritert - å gjøre det du elsker før sinnet, og ikke å gå på kompromiss. Jeg tror ikke hvordan å gjøre prosjektet ditt kommersielt. La det være en uansvarlig og punk-tilnærming, men jeg ser mye mer prospekter i det enn i inntektsgenerering. Jeg vil fullføre min opplæringssamling så godt jeg kan. Etter at jeg fortsetter å eksperimentere, overraske og inspirere, gjør noe , to Jeg liker, mye og hardt. å snakke. "

Natalya Timofeeva

I fjor viste Rostovka Natalya Timofeeva, som ble vinneren av konkurransen "New Names in Design", en samling på Mercedes-Benz Fashion Week Russia, og i dag fortsetter hun å jobbe vekk fra hovedstaden. Hennes tilnærming til design er fengslende: i Timofeevas arbeider samarbeider rolige silhuetter med grotesk styling, vintageinnredning med elementer av lys plast og feiende håndtrykk med omhyggelige broderier.

Natalia ble uteksaminert fra kunstskole og arkitektonisk akademi med en spesialitet "artist-stylist": "Jeg har alltid likt å overraske folk og jobbe med komplekse materialer som ikke er karakteristiske for å lage klær. Når jeg bestemte meg for å gjenopplive en gammel bestemors kjole og syet en stor blomst fra en ødelagt paraply. Resultatet var veldig fint , dette er hvordan alt startet. Jeg forstår fortsatt ikke hva det er knyttet til, men jeg vil alltid legge til noe "fra meg selv".

Det er veldig vanskelig å finne en balanse mellom kreativitet og handel! Men jeg er takknemlig for kundene mine for å velge ting som ble opprettet for kreativ skyting. De er kjøpt av selvsikker kvinner som ikke er redd for å uttrykke seg; Nå begynte jeg å jobbe med menn. Hvert år lager jeg rundt fire kapselsamlinger pluss mange tredjepartsprosjekter og selvfølgelig individuelle ordrer. Hvis du befinner deg i noe og gjør det med kjærlighet, så er det ingen barrierer og restriksjoner. "

Masha Lamzina

Masha Lamzina bor i Vladivostok, men kunstnerens verk, enten malerier eller klær, flyr rundt i verden. Lamzinas stil er lett og gjenkjennelig - vanlige grafiske utskrifter på en lys eller mørk bakgrunn, ofte provoserende og paradoksale. Tegningene er gjort manuelt ved bruk av en enkel stencil og klorblekemiddel, men for å fullføre arbeidet, er det ofte nødvendig med en prøve og en feil. Masha studerte grafisk designer, fra barndommen var glad i mote og skapelsen av avantgarde klær. Som et resultat gikk hun til finalen i ITS-konkurransen i Italia og mottok en invitasjon til en praktikplass i motehuset John Galliano - slik at Lamzina avsluttet sin jobb som grafisk designer og gikk inn i mote profesjonelt.

Masha sier at hun bruker mye tid og krefter på å jobbe med utskrifter, tekstiler og teksturer: det vil alltid være estetisk verdi, selv ti, tjue eller femti år senere. Jeg liker å tilpasse mine ideer til små samlinger (spesielt Lamzina samarbeidet med Vladivostok-merket av grunnleggende klær "Mer". - Ed.) tilgjengelig for et stort antall mennesker, men jeg anser fortsatt det viktigste arbeidet for å være prosjekter der det er kunstutskrifter, mye manuell arbeidskraft, eksperimentelle kutt og avantgarde silhuetter.

Alt har sin egen forbruker, det meste av det jeg gjør er utsolgt umiddelbart etter presentasjonene. Likevel søker jeg alltid etter en balanse mellom det jeg har oppnådd og muligheten for utvikling, inn i nye markeder. Det er veldig interessant å være mellom kunst og design, jeg liker å okkupere denne nisje. Det viktigste er å kunne fortelle historien din og formidle ideer til de som de vil være interessante med. "