Natalie Leskova om oddities av undervisning design klær

Natasha Leskova er en veldig ung designer. Hun lager enkle ting med utskrift av St. Petersburg: St. Isaacs katedral, Neva, og steinene i Peter og Paul-festningen. Denne enkle ideen førte umiddelbart suksess og kunder til designeren. Nå er Natali Leskova-merkevaren basert i showroomet i sentrum av St. Petersburg, i utdanningshuset "Benoit", og leder salg gjennom sin VKontakte-side. Vi snakket med designeren om hvordan å lage en merkevare alene og hvilken russisk utdanning i mote ser ut.

Hvordan bestemte du, en ung designer, seg selv om å lansere et merkenavn?

Jeg studerte på Stieglitz Academy på Costume Design Department. Det var det fjerde eller femte kurset, da det kom til å innse at med å skaffe et diplom, ingenting vil forandre seg og at du må begynne å jobbe med merkevaren din, desto raskere jo bedre. Jeg var heldig, jeg fikk en internship på Domus Academy i Milano; To uker brukt der, ga meg enorm kunnskap og erfaring. Jeg gjorde oppmerksom på at utlandet de fokuserer på øvelsen, som jeg manglet. Der forklarte de meg hvem målgruppen var, hvordan å kommunisere med det, hvilke kanaler for samspill eksisterte, hvordan å presentere alt riktig. I tillegg lærer folk som jobber på moteområdet det. I Russland blir kun teorier undervist og undervist av folk som ikke har jobbet i moteindustrien i minst tretti år. Derfor har de begge utsikt og et program på 20-30 år.

villskap.

Dette er veldig trist. På mote endres alt hver dag. Vi må holde oss oppdatert og studere i alt dette hele tiden. Folk som er trukket ut av bransjen, kan ikke lære godt.

Men er noe vi lærer godt?

Vi har en sterk skole i maleri og tegning, med denne kunnskapen er det godt å reise utenlands. Dine skisser der gleder alle, fordi europeiske studenter har, i stedet, alle utklipp av noe slag eller veldig lite Malyaki laget på en datamaskin. Vi blir lært å forstå menneskelig anatomi godt, men de bruker for mye tid på disse tingene: Jeg studerte i seks år, fem av dem gikk til tegning og maleri. Men her har vi ingen økonomi. Og hvordan vil designeren selge sine ting, ikke forstå hvordan prisen blir gjort? Herfra ser det ut til meg, alle problemene er - kjoler på 25 tusen hver fra designere som produserer den første samlingen. Da jeg startet, koster kjolen min 1200-2500, som dette.

Og hvor mye tror du at klærne til en ung designer bør koste?

Vel, noen tilstrekkelige penger. I hvert fall på nivå med massemarkedet. Det er klart at mye avhenger av materialene. Hvis dyre materialer brukes umiddelbart, bør du ikke jobbe i minus. Men samtidig må vi innse at fra første samling vil du ikke bli rik og du betaler ikke for alt på en gang. Derfor må du tenke fremover og investere litt penger, og vite at de kommer tilbake til deg litt senere.

Når begynte du, hadde du en strategi?

Jeg solgte mine første ting gjennom sosiale nettverk. Det var en veldig liten kvinnesamling: to dragter, en genser, skjørt og bukser, et jumpsuit og flere kjoler. Snarere, ikke engang en samling, men bare et sett med ting som vi gjorde en god skyting. Jeg forsto straks at når du selger gjennom sosiale nettverk, er det viktigste et godt bilde. Det skjer ofte at ting er vakre i livet, og de er svært dårlig fjernet. Dette fraråder kjøpere. Designeren må først selge bildet, og så selve saken. Jeg tok av samlingen, sett den på VKontakte, og derfra begynte å motta de første ordrene. Ting koster mellom 2000-3000 rubler, og jeg syet alt selv, siden skalaen var passende.

Ting fra Natali Leskova-samlingen

sko: Banya Concept Store

Hvilke råd vil du gi unge designere om hvordan du fremmer klærne dine?

Ikke stopp. Det er også feil i vellykkede designere - både i form av salg, og når det gjelder salgsfremmende, og når det gjelder samlingenes suksess. Det viktigste er å fortsette å gjøre alt og gjøre det hele tiden, uten å se på at noe har mer suksess, og noe mindre.

Nå fortsetter du å sy selv?

Nei, nå har jeg en produksjon. Ikke direkte mine personlig - de samme personene tar bestillinger fra andre designere, men de inkluderer også en del av teamet mitt: en profesjonell cutter, en sømmer og en designer. Jeg kunne ikke sy meg selv nå, fordi volumene ikke er de samme. Jeg er i sin tur engasjert i kampanjer og nye prosjekter.

Hva slags klær ville du opprette i utgangspunktet, og hvordan fikk du ideen til å gjøre ting med utskrifter av St. Petersburg?

Jeg har alltid ønsket å lage klær som ville være komfortable for jenter. Noe enkelt i design, fra gode stoffer, men med sin egen chip. På et tidspunkt hadde jeg vakre bilder av Peter i armene mine, og jeg tenkte - hvorfor ikke sette dem på skjørtet. Dermed ble født den første skjørtet, "Fontanka", det er fortsatt produsert. Nå har jeg en kapselsamling med utskrifter av Milano - jeg samlet dem for flere turer. Jeg slipper bare ut noen ting utenfor samlingen når jeg skjønner at det er behov for det.

Arrangerer du show?

Visninger er ikke min historie. Jeg er for presentasjoner, for å kommunisere med klienter, jeg liker det mye mer, og etter min mening er det mer fornuftig. Jeg møter med redaktører, kjøpere og de jeg trenger, og resten vil finne meg med utviklingen av merkevaren.

Gjør merkevaren din fortjeneste?

Ja. Sant, jeg investerer straks alt i videreutvikling, men det er en fortjeneste.

Hvilket budsjett startet du med?

Jeg hadde ingen startkapital. Det var bare penger jeg ikke brukte på klær, på litt underholdning, i stedet kjøpte jeg klut. Så kjøpte jeg litt, så ut som alt gikk, og flyttet i små skritt. Det var ikke noe poeng i å skynde seg, jeg ville bare stå opp. Jeg tror fortsatt at det viktigste er å handle og ikke stoppe. Hvis det ikke er noen investorer eller store familiepenger bak deg, kan du fortsatt lykkes. På internett for dette en million veier - du kan vise folk klærne dine. Det viktigste er å forstå hva du gjør og fortsett å gjøre det på et godt nivå, for ikke å bedra folk.

Våre studenter mangler praktisk kunnskap knyttet til moteindustrien.

La oss gå tilbake til utdanning. I dag, hvert sekund - en designer.

Dette er sant. Hvis du kaller deg selv en designer, vil ingen ta denne tittelen bort fra deg, men vanligvis koster det lite. Med utdanning er alt trist. Ikke alle har muligheten til å reise utenlands, og det koster også utrolige penger. Året før sist var jeg på Seliger og så designere og motedesignere fra provinsene der, ikke engang fra millioner mennesker, men fra svært små byer. De vet hvordan å sy, gjør en haug med noen ting, men til slutt er det ingen smak i den. Alt ser trist ut, fordi hvorfor gjør de det? Vi må alltid inkludere hjernen og tilstrekkelig relatere til arbeidet.

Våre studenter mangler praktisk kunnskap knyttet til moteindustrien: hvordan å selge, til hvem - disse er viktige poeng. Jeg prøvde å diskutere med medstudenterne Louis Vuittons nyeste show, slik at de ikke engang vet hva Louis Vuitton er, for ikke å nevne hvem merkevarenes designere er. Dette er vanligvis forferdelig - og dette skjer i St. Petersburg, og ikke i noen småbyer. Eller her lærte vi motehistorien, men på et slikt nivå som jeg lærte mer fra bøker. Det er veldig viktig å engasjere seg i selvopplæring, kjøpe kunst og motealbum, eller i det minste gå til biblioteket.

Hvilke andre disipliner lærte?

De to første studieårene var forbudt å male spesifikke kostymer. Da jeg brøt dette forbudet ble jeg fortalt: "Hva er denne Barbie-drakten? Sett deg ned, to." Og så i det tredje året begynte vi å forberede oss på industriell design - dette er når du maler en drakt, gjør en teknisk skisse, tegne en hylle, en rygg separat, slik at du kan gå til designerne med disse skissene og snakke om oppbakning av ting. Studentene kan ikke ta det og gjenoppbygge, etter alle disse misforståelsene og abstraksjonene i detaljer. Eller i samling hadde vi oppgaver av denne typen: I industriell design tar du et massemarked - Mango eller H & M - og lager en samling på 6-7 ting for dem.

Hvorfor massemarkedet? Det er ingen design der, det er bare grunnleggende klær.

Hvorfor ikke dior? Jeg har vært i Dior, men de kjenner fortsatt ikke de fleste merkene. Som et eksempel fikk vi stort sett et massemarked. Det var en lærer som senere ble min kunstneriske regissør for et diplom, så hun sa jevnlig: "Gå til Mango, gå til galleriet, gå og handle, ta en titt." På noen klasser vendte vi seg til fortiden, til kjente merker, men alle eksemplene endte igjen i det 20. århundre, men det ble ikke sagt noe om modernitet.

Og fortalt hvordan å lage et show, hva er en bowbook?

Nei. Da jeg brukte ordene "inspirasjon", "lookbook", "mudboard" i ordforrådet, hørte jeg som svar: "Du kan ikke si dette - ikke en bue, men et bilde." Generelt, i løpet av de fem årene av mine studier, har jeg aldri mottatt informasjon om hvordan man skyter en bok, hvordan man kombinerer og presenterer mine ting. Et diplom, som er viet til arbeid på et helt år, synger alle elevene i april. Modeller for demonstrasjon er isolert i begrensede mengder og er delt inn i hele utgaven, de kan ikke farges på egen måte eller gjør en slags frisyre. Derfor var jeg på utkikk etter modeller fra siden. Vi hadde et show i en av hallen på akademiet, alt var dårlig: det var ingen podium, ingen backstage, ingen forhold.

Hvordan ble det årlige arbeidet med oppgraderingskolleksjonen bygget?

Samlingen inneholder bare syv buer, så alle sys i april. I teorien er systemet dette: i september blir du tildelt en kunstnerisk leder, du begynner å jobbe med ham på skisser og utvalg av tekstiler. I desember, den første rektorens show, der du forsvarer det valgte emnet. Jeg hadde et fly tema - skyene, himmelen, det er alt. En jente laget en hel samling av gamle fallskjermfarger. Dette er en typisk illustrasjon av hvordan vi elsker avantgarde og liker ikke hva som kan brukes.

Er avantgarde ideene også spesifikke?

Det antas at mer frills, jo bedre: 8 ermer, 50 lommer på ett ben, rhinestones, fjær. Designere som jeg studerte, trodde oppriktig at de fant ut noe nytt. Og lærerne roste dem for at du har det bra, så mye arbeid. Ingen trodde at du senere ikke ville selge den, og du kunne ikke engang sette den på en gang fordi det ville falle fra hverandre - slik er kvaliteten på ytelsen. På samme tid under forbudet hadde vi ordet "bærbar". Da jeg sa: "Klærne mine er bærbare, de kan bli slitt i livet. Dette er et enkelt sett, jeg tok dette skjørtet, satte det på med denne toppen, jeg tok en jakke herfra. Alt er som dette," svarte hun: "Nei, det kan jeg ikke. Det finnes ikke et slikt ord, gå endre konseptet ditt. "

Hvorfor blir det da lært av Mango-samlingene?

Vanskelig å si Selv min lærer ser ut til å forsøke å presse på ting som vil bli etterspurt, som kan selges, hvilke vanlige folk vil ha på seg. Men jo mer hun så absurd i samlingen, jo mer ble hun glad. Det ville være morsomt hvis det ikke var så trist.

Natali Leskova

Elementer designer finnes i St. Petersburg:

Showroom Natali Leskova, Kamennoostrovsky Ave., 26/28

Takk for hjelpen med å organisere skyting og intervjuer med Aurora Fashion Week-teamet.