Homo Consommatus på globale kulturkoder

Mark Homo Consommatus (oversatt som "Consumer Man") Alexey Sorokin lansert i 2008 i St. Petersburg. Et nytt merke, som skapte intellektuelle ting, begynte å snakke etter å ha deltatt i flere årstider av Aurora Fashion Week. Alexey valgte en vanskelig sti - han er konsentrert rundt å skape avantgarde-design, som i Russland fortsatt lærer å elske og konsumere. Det er nødvendig å hylle, Alexei leter etter og lager nye stoffer selv, teknologier - den riktige måten er for den unge designeren. Generelt virker det som en ung belgisk og tenker på temaet å være. Vi snakket med Alexey om hvem som trenger avantgarde i dag, hvordan å oppfatte og konsumere mote, hvordan kulturelle menneskekoder påvirker vår oppfatning av klær og oss selv.

Hvorfor ble du involvert i design? Hva er din utdanning?

Jeg begynte å studere som designer lenge før St. Petersburg, og deretter overført til Muhu (St. Petersburg State Academy of Art and Industry oppkalt etter A. L. Stiegitz. - Ca. Ed.) Og ferdig seks år her i spesialitet "kostymdesign" og samtidig jobbet han, fikk erfaring i moteforretningen. I Bosco-butikkene jobbet han som selger, da han var engasjert i merchandising, studerte. Det var nyttig, fordi alt er synlig fra innsiden. Deretter et diplom og i et halvt år den første samlingen, konsonant med temaet for diplomet: "Consumer Man."

Hva var poenget?

Tanken var at en moderne person har alle sine egenskaper som en rimelig person og fortsatt er en sterk forbruker. På denne ironi, og samlingen ble bygget, og da ble alt forvandlet til filosofien til merkevaren.

Og navnet, henholdsvis. Hvordan er situasjonen med forbruk nå? er folk ennå ikke fulle?

Jeg tror dette ikke vil skje. Det er bølgende prosesser som forstyrrer hverandre litt, men jeg tror at alt bare går. I det minste dømme etter motevirksomhet, omfanget av fremveksten av nye merker og navn, er det neppe mulig å snakke om forbrukskrisen.

Hva er årsaken til det generelle utseendet på merkevarer og navn?

Dette er oversaturasjonsfaktoren. Mote tilgjengelighet. Klær har mistet sin kjernen: Å tjene som et middel for å skille status for en person / samfunn, en fra en annen. Nå er kantene helt slettet. Det var som om vi skulle sikre at alle var forskjellige og forskjellige, men resultatet var tydelig - alt følger et mønster. Derfor bølgen av den omvendte prosessen: visse mennesker vil trenge ting som ingen andre har. Når alt er så likt.

Så hvorfor, hvis alt er upersonlig, prøver merkene å samle seg og ser etter en ny kreativ jet, forandre kunstdirektører?

Moteforretning er for gigantisk maskin som absorberer alt. Det spiller ingen rolle om massemarkedet eller konglomerater som LVMH. En mote begynte i utgangspunktet med det faktum at det var personligheter. Personlighetene forble imidlertid - designere som vandrer fra ett hus til et annet. De eksisterer, men de er også underordnet en så sterk kommersialisering. På den ene siden er designerens personlighet, som lager noe unikt produkt, mindre og mindre. Derfor behovet for det. På den annen side kan skaperen ikke gjemme seg. I samme paradoks! For eksempel, den første samlingen av Nicolas Ghesquière for Louis Vuitton: Han gjør seg igjen. I menneskets gjerninger ser vi hans indre uttrykk, hans portrett. Og du, bli med klærne, gjør deg bare med deg selv.

Dette var imidlertid essensen av avantgarde-designet som du manifesterer sammen med designeren. Selv om avantgarde ting i Russlandanses mer som et kunstverk. den omvendte prosessen du snakker om -retur av avant-garde, - vi ser allerede bare se på det siste showet Comme des Garçons. Bringer av hodet. Gikk du spesielt på en slik vanskelig vei?

Personlig finner jeg det vanskelig å gjøre enkle ting, veldig enkelt.

Jeg forstår. Det har vært vanskelig for meg å skrive ren tekst i svært lang tid. - Jeg ville alltid fylle ham med noe overflødig. Uttrykk det

Og ikke fordi du viser deg, men fordi du ikke kan gjøre det på en annen måte. Her er det. Jeg gjorde meg selv disse buksene. De er enkle. Hvorfor gjorde jeg dem raskt? Fordi jeg ikke gjorde dem. Jeg sa, "Jeg vil ha bukser, jeg trenger bukser." Og jeg laget disse buksene. Hver dag er bra, men jeg ser ikke noe slikt i dem. Enkle ting jeg blir bra, men jeg er ikke interessert i å gjøre det enkelt. Det er interessant å oppnå det som ikke kunne oppnås før.

Jobber du med stylister? hjelp til å skape nye samlinger?

Nå ja Når du har en samling på 60 buer - ja, du trenger en stylist. Eller når hodet ikke kokker hva du skal koble til. Jeg ble hjulpet mye av arbeidet med merchandising i multi-merker: du forstår hva som går med hva, hva folk trenger, hva de reagerer på, hvilken farge de velger.

Hvor tar du stoffet?

Italienerne kommer til oss med koffertene, alt er åpnet, vist. Vi jobber med sterk sveitser, kom til dem gjennom venner. Faktisk, fabrikkene vi bestiller stoffer fra, ikke delta i Premiere Vision, men de har veldig god kvalitet materiale. Jeg bruker praktisk talt ikke tilbehør - jeg liker ikke knapper. I utgangspunktet er det knapper, kroker - slik at det ikke er synlig.

Hvordan gjorde skoene i samlingen?

Hun var alltid. Det første paret ble bestilt i USA, nærmere bestemt, basen - blokken. Det var slike stripper sko, som da mesteren min kom til tankene. Sammen med ham trodde alle at ingen falt av skoene sine. Frykt i arbeidsprosessen - hovedmotor og brems. Og modellene, og herrene, alt. Alle er alltid redd og skremt først. Modeller, for eksempel, var redd for å gå på veldig høye hæler fra den første samlingen. Potentielle kunder er ofte redd for at de ikke har slik frihet, de er redd for å ta det og få det. Skreddere er redd for å gjøre noe galt. Hver gang du forteller dem: la oss prøve det, fordi det kan gjøres og trengs, det er interessant. Når folk slutter å være redd, blir alle avslørt. Design er en kamp med frykt.

Amerikanerne har størst følelse av indre frihet i dag. De bryr seg ikke hvordan de skal se ut og hva

Engelsk avant-gardist J.W. ANderson amerikanske kritikere blir stadig anklaget for å ha blitt helt glemt om en kvinne, at han ble båret bort ved å skape nye design, og ikke klær. Samtidig er kundene ikke redd for sine galne ideer, men tiltrekker dem heller.

La oss gjøre dette. Amerikanerne har størst følelse av indre frihet i dag. De bryr seg ikke hvordan de skal se og i hva. Derfor avslapning og bredde av oppfatning. De kan se både i den ene og den andre like bra, fordi de er avslappet, fordi de ikke har tetthet og spenning. Selvfølgelig snakker jeg ikke om alle. I det minste følelser fra samfunnet, fra livet. Lady Gaga, som i prinsippet kan sette på seg pyjamas og gå til t-banen for en øvelse, og se en viss måte på scenen, og se offentlig ut i noe gal og samtidig kombinere alt sammen. Jeg tror frihet er i den. Og når vi sier at det finnes kanoner av skjønnhet, er dette en annen historie og mer sannsynlig en europeisk. Fordi hele Europa har en veldig alvorlig historie.

Hvis vi vurderer mote siden XV-tallet, endret kanonene på samme måte som nå. Det vil si, alle kanonene er allerede blitt dannet. Hvis du i det 15. århundre bare hadde en torso, den nedre delen var dekket med en full skjørt, ingen skulle se noe under brystet og ansiktet, nå er dette hele kroppen, bare i visse tegn. Mote har alltid hatt tegn. Derfor er det å kaste bort tid på å lytte til designkritikere om dekonstruksjon av kroppsform. Designeren bør ikke tilpasse seg kritikerne. Bare kritikere gjennom tiden kan tilpasse seg det, fordi de ser noe annerledes i det, som moteskiltet endres. Og folk som J.W. Anderson, er bare motorer. De beveger tegn som endres over tid.

Hvilke kanoner og tegn eksisterer nå?

Hvis du ser tilbake 5-7 år siden, var det flere tydelige kanter. Den japanske, belgierne beholdt fortsatt sin seriøse autoritet. Og samtidig var italienerne flytende - de ble kjøpt. Det var en klar adskillelse, en klar struktur: Liker du belgierne eller Comme des Garçons, eller liker du Etro-italienerne, eller liker du noe av det nord-europeiske - skandinavisk design, for eksempel. Og da den kraftige PR av gjennomsnittlige identiske klær begynte, ble strukturen tapt. Når vi ser på strengen av Stella McCartney og frakken Balenciaga, forstår vi ikke forskjellen mellom dem. Og vi satte umiddelbart en rekke Zara og ble forvirret til slutt. Det er akkurat det som skjedde. Og her vender vi igjen til personlighetskonstruksjonene, som nå er trengte, som det samme J.W. Anderson.

Han er helt mot vinden.

Jeg er enig. Men i hvert fall er det av interesse for mange. Og uansett hvordan kritikere vurderer det, bra eller dårlig. Det er oppmerksomhet til det. Det viktigste, etter den kreative banen, for ikke å miste sine gener. Tross alt er det designere av den unge bølgen, som på en eller annen måte begynte kraftig og impulsivt, og så gjorde seg også til en mektig handel.

Pluss små merker - at selv den merkeligste tingen kan skreddersys til en bestemt person.

Fleksibilitet, ja.

Hvilke vanskeligheter gjør et ung designer ansikt? Planlegger du paris?

Vi har gjort presentasjoner i Paris i tre årstider i Paris, og vi har allerede gjort dem i New York. Dette er ikke en rask prosess for å bli et ung merke: folk vil se deg først, da vil de bli redde, da vil de roe seg, så vil de forstå at det kan gjøres, at det endres, at det er stabilt. For kjøpere er stabiliteten til merkevaren veldig viktig, fordi du ikke har noen alvorlig historie med protege. Kjøpere ser på deg, de forstår at det er kult, flott, interessant, annerledes, men de behandler deg med stor forsiktighet. Du kan ikke sende alt på tid og ikke oppfylle bestillingen. Noen, i prinsippet, på nye merker, forlater nesten ikke budsjetter. Det andre fokuset og hovedfokuset vil nå være på enkeltpersoner og klienter. Fordi når du kommuniserer med en kjøper som liker og hvem ønsker, er han en utbenet mann. Når du kommuniserer med en bestemt person, med en person, er han klar i prinsippet, fordi han har muligheten til å ta og få den. Jeg er nærmere personlig kontakt.

Du identifiserte for meg selv markedet?

Snarere amerikansk. Til tross for massemarkedets popularitet og noe ansiktsløs i massen, tror jeg fortsatt at det er makt. Adam Lipis - det er et slikt motehus. Han pleide å lage semi-sportswear. Nå lager han en veldig kul minimalistisk design med høy kvalitet. Deretter er det Tom Brown, som setter klassiske kostymer på galne show. Det er også en merkevare av Olsen søstre - The Row. Jeg synes det er mer villighet blant folk til å akseptere nye ting, uansett i hvilket format. Dette er deres psykologi. Europa er fortsatt mer begrenset. Jeg snakker ikke nå om Russland. Jeg vil ikke si noe dårlig eller bra. Det er viktig å vurdere mote ikke fra Russland, men fra utsiden.

Hva er forskjellen mellom en person som kan kjøpe dine uvanlige klær og de som ser, sier, "Hva er det for tull", og forlater rommet?

Forskjellen er at du enten kommer i kontakt med mote i smal forstand og du har prinsippet om å akseptere noe viktig i hodet ditt, det vil si, du gir rett til eksistensen av det nye. Og det er - når du ser svart og hvitt og tanke mønstre. Eller du tenker bare ikke på det, du berører ikke, og det eksisterer ikke for deg. Som for mange eksisterer noe, men noe eksisterer ikke.

Instinkter: Alle er slått på av scener av vold, henrettelse, sex - og mote fortsetter å utnytte det, som før,

I så fall, hvordan klarer et mote å forbli en global global prosess?

Dette er bare på grunn av mønstrene. På grunn av gjentakelse av tegn. På grunn av det faktum at det er former som alle allerede har oppfunnet. På grunn av dem holder alt, selv om det endrer seg. Det er igjen utstedt som nytt, og dette er absolutt ikke nytt. I dette underbevisstheten har du alt lett å lese. For eksempel er lengden på skjørtet en kuttet kvinne i stykker. Dette er en absolutt bestialhistorie: om offentlige henrettelser, da folk ønsket å se avskårne hoder. Dette er slik. Det er en rekke studier om dette emnet for de som er engasjert i mote sosiologisk. Instinkter: Alle er slått på av scener av vold, henrettelse, sex - og mote fortsetter å utnytte det som før, som det gjorde før. Fra det XVI århundre og til nå er bildet av en kvinne i mote under det samme: den er kuttet i stykker, noe er lukket, noe åpnes, forvandles. Dette er tegnene som er iboende i klærne som leses, som alt hviler på. Noen forstår, og noen føler seg underbevisst.

Og hvilke koder og skjemaer jobber du med? Er det dupliserte metoder?

Det er. Det er en rekke poeng og aksenter som respekteres. Jeg tror at dette er viktig for hvert merke, for merkevaren. Hvis du vil bli gjenkjent. Jeg har kontraster av lengder (farge eller lys), proporsjonal (lang - kort). Geometri som holder alt. Det spiller ingen rolle om det er symmetrisk og statisk, eller det er dynamisk og kaotisk. Kanskje ved øret blir de oppfattet som felles for alle merker av ting, men de er det ikke. Da er det materialer, for eksempel, jeg liker å jobbe med lær. Det er tettsittende silhuetter: flared, trapezoidal (når skuldrene eller kroppen holder hele strukturen).

Eid av disse punktene, får vi merkevare samarbeid med massemarkedet, som er forståelig for et bredt spekter, selv om de ikke visste om motemerket?

Vel, ja, du velger en av elementene og sender den som din lyseste.

Skal en designer skryte av de første prestasjonene?

Hvorfor? Hvis du selger det, kan du skrive om salgssteder på nettstedet. Hvis du har gjort noe mer spesifikt, informer du også verden om det. Mote er ofte slike uendelige kommaer: Jeg gjorde det, gjorde det. Dette er trist, fordi dette trollet er bare forvirret hver gang, og du vil aldri se hva som faktisk er inne. Jeg er annerledes.

Ting designer finnes i St. Petersburg: Boutique "Mystery", Rybatskaya Str., 3; Homo Consommatus showroom, Tyushin str., 11

Takk for hjelpen med å organisere skyting og intervjuer med Aurora Fashion Week-teamet