"Jeg er ikke lenger meg": Artist Dima Shabalin om masker i krysset mellom mote og kunst
I slutten av februar i Moskva botaniske hage i Moskva State University "Pharmaceutical Garden" Utstillingen "Partikler" av kunstner Dima Shabalin åpnet. Fargerike masker fra hans forfatterskap, samlet fra helt tilfeldige ved første øyekast detaljer - fra barneleker og gamle kranser gitt av venner til å lage bakervarer - var i de viktigste Moskva-museene og i Paris Grand Palais. Til tross for det meste av materialene, er verkene majestetiske på sin egen måte, og i tykkelsen av Palm Greenhouse synes de å være enten avatarer av gamle gud eller romvesener. Finn alle femten gjenstander presentert på utstillingen - en oppgave som det ikke er synd å tilbringe hele dagen.
For noen år siden jobbet Dima i glans, var en moteditor for magasinet Numero og Interview, en stylist, en favoritt av street-stilfotografer - inkludert den berømte Scott Schumann. Om hvordan denne overgangen fra moteverden til kunstens verden - tilsynelatende, endelig og uigenkallelig - om maskenes, parallellverdens og de ideer som kommer fra byen, faller under jorden, snakket vi med den unge kunstneren.
Masker og lim
Jeg kom til Moskva fra Berezniki - et sted som faller under jorden. En hel by med en befolkning på 140 tusen mennesker ble bygget over gruvene for utvinning av salt, som nå oversvømmes, noe som resulterer i feil. For meg begynte det hele rett hjem. Jeg kom til moren min for ferien og kom over en boks med barneleker fra barnas overraskelser - det var en hel haug med dem. Da møtte jeg nettopp Andrei Bartenev, som alltid sa: "Dima, gjør alltid noe! Og viktigst, bruk mer lim." Så begynte jeg å limle leker. Først var det bare collager på historier, jeg hengte dem på veggene. Han festet bånd til en - som et resultat, Bartenev helt tilfeldig stjernespiller i dette arbeidet for bladet Numero, hvor jeg jobbet da.
Det var utilsiktet, jeg skulle ikke lage en maske. Men da det viste seg, skjønte jeg at det var noe hellig i selve avslutningen av ansiktet, og begynte å studere emnet. Alyona Isayeva, mote regissør Numero på den tiden, fortalte meg om forsøket: personer med mentale egenskaper ble tilbudt å male ansikter, for å vise hvordan de ser seg selv. Når ansiktet ble fullstendig malt, begynte de å oppføre seg annerledes: det var lettere for dem å kommunisere og få kontakt.
Jeg følte denne effekten på meg selv. Vi begynte de første forsøkene med likhet med masker med en venn, fotograf Ruslan Shavaleev, tilbake i 2012. Først ønsket vi bare å lage uvanlige bilder før hendelsene og å gå til fester på en eller annen måte, bare lurt rundt. Og så ble det til et bildeprosjekt: Vi slo plater, limte dem på masker, dekket ansiktet mitt med leire og lag med maling, og Ruslan filmet alt med et kamera. Så da sto jeg med dette dekket ansiktet, dekket av leire og maling, følte jeg at jeg ikke lenger var meg. Jeg begynner å bevege meg på en annen måte, plasten er helt forandret, det er som om en annen person. Prosjektet ble kalt Paraforma og utstillet på Erarta-museet i St. Petersburg.
Kokepunkt
Langt før masker gjorde jeg fantastiske hatter der jeg dro til fester, og alle ga oppmerksomhet til dem. Det hele vokste, sannsynligvis fra komplekser, ønsket om å sette kronen på meg selv - å føle seg betydelig. Kroner og masker er motsetninger. Crown du opphøyer deg selv, prøver å vise verden, vise seg. En maske, tvert imot, gjemmer seg helt. Ved enhver lov, så snart du når et høydepunkt i noe, må du falle. Kokpunktet mitt, hvoretter jeg måtte avkjøles, var denne overveldende stolthet, dette ønske om å vise meg selv, for å bli sett av alle. Jeg så alt dette da jeg på et tidspunkt så meg tilbake. Og jeg ønsket å bytte, komme vekk fra det og se nærmere på dypene.
Parallell verden
Som barn likte jeg virkelig Harry Potter-universet. Jeg var veldig oppriktig opprørt da jeg var elleve, og brevet fra Hogwarts kom aldri. Jeg var alltid tiltrukket av andre verdener, jeg ønsket å tro på muligheten for eksistensen av noe overnaturlig og andre verdenskrig. Og så så jeg dette andre verdenskrig - man kan si det i en drøm: en verden som er veldig lik vår, men likevel annerledes. Der i luften svinger store plattformer og klippeklipp med trær, og dyr og planter er hvite, askeblå og rosa. Jeg drømmer fortsatt om alt fra tid til annen - og hvis noe drømmer, betyr det at det eksisterer et eller annet sted.
Jeg så den første virkelige masken under inntrykk av en drøm. Han lukk øynene og presenterte. Hun hadde ingen øyne og munn, men det var lyse blå halvkugler over hodet hennes. Resten er allerede oppfunnet og samlet underveis. Den andre var nesten helt fra kranser, mine gamle klokker og juletreker. Alle de andre ble også laget av det som var. Noen ganger minner de alle om drager, noen ganger cyborgs eller noen fra Mad Max. Postapocalypse, blandet med "Avatar" og indiske gudene. "Valerian og tusen planeter". Hvorvidt romvesener, eller amfibier, eller firben - det er ikke klart at! Noen slags faraoer - jeg elsker sine avlange søtter. Jeg gjorde dette fra brillene til en av maskerne. Men for å si at hver av mine masker er et bestemt tegn med et tegn og resten, kan det nok ikke. Jeg vet ikke selv hvem de er.
Resirkulert kunst
Jeg leste "Magisk rensing" Marie Kondo tre ganger. Jeg liker minimalisme, jeg vil virkelig ha bare femti ting, men det virker fortsatt ikke. Til dels begynte jeg å gjøre det jeg gjør, bare for å kvitte seg med ting, søppel, noe som er mye, og det er synd å kaste den bort. Dette er en måte å komme til minimalisme, som hele tiden feiler. Det er flere og flere ting rundt meg.
Samtidig er ideene om raffinering ikke veldig nær meg Jeg bruker i masker og for eksempel ekte turkis. Og dette er en perversjon - å feste turkis med limpistolen! Det kan til og med være respektløst for selve steinen. Ordet "resirkulering" for meg er en tilgjengelig måte å forklare andre hva jeg gjør: vel, jeg gir ting et annet liv, og alle synes å være på en gang klar.
Det er generelt vanskelig for meg å sette inn ord hva jeg gjør. For utstillingen i "Farmasøytisk hage" skrev vi med kurator Seryozha Nesterenko fem setninger med annotasjon i flere dager, det var vanskelig. Når du søker etter ord, er den virkelige betydningen sløret. Jeg må tiltrekke alt ved ørene, men jeg liker ikke det. Dette er alt på underbevisst nivå - du kan ikke forklare det i ord.
Mote og kunst
Jeg kom inn i vogue fordi jeg likte Alexander McQueen siden videregående skole - da han døde, var det en stor tragedie for meg. Jeg tenkte ikke engang på å være designer, men jeg var en litteraturkonkurrent og begrunnet at jeg kunne jobbe i et magasin. Jeg brant med disse tingene, gikk inn i journalistikkavdelingen i Moskva State University uten eksamener, flyttet, jobbet som assistent i Glamour, og så videre. Generelt traff mote meg på grunn av McQueen - men McQueen døde. Og i de fem årene jeg jobbet i magasiner, ville ingen ny som ville ha rystet meg så mye, aldri vises. Og jeg var ikke interessert. Og når du mister interessen, forlater du.
Generelt, å være en mote editor var mye moro. Alle slags lyse minner. Da Dita Von Teese falt i sin røde kjole fra trappene på festen, hjalp jeg henne opp. Da jeg falt ned trappen foran Donatella Versace på Ritz-festet, hjalp hun meg ikke. Som en kinesisk blogger, og lignet på å være meg, tok han vei til showene. Som Tilda Swinton ga meg en kvist etter hennes forestilling, og jeg holdt den. Andre Leon Telli kom til Moskva, og jeg er den eneste motedirektøren på Numero, og jeg er 19 år gammel. Du burde ha sett hans ansikt i øyeblikket! Jeg vil ikke at det høres ut som å skryte, nei. Det var bare flott å kommunisere med alle disse menneskene, for å leve i samme verden med dem. Noen ganger virker det som om jeg mistet alt på et tidspunkt. Men jeg angrer ikke.
Du har mye mer frihet i kunst. Du kan snakke hva du vil si på et annet språk, og ingen vil gjøre noe for deg (nesten). Og i magasinet står annonsørene over deg, du tenker uendelig, hvor mange centimeter å gi til hver av dem på siden, om leseren vil forstå det, som om du tjener noen. Og mer. Så jeg sier, les en bok om McQueen, "Alexander McQueen. Blod under huden." På forsiden er to navn, den første er McQueen, den andre er forfatteren. Hvem er interessert i forfatterens navn? Hvilken side av barrikaden vil du være på? Det er spørsmålet.
Sammenligninger med Margiela
Du kan si at jeg limte min første maske nesten umiddelbart etter å ha besøkt Margiela Artisanal-showet. Du kan tegne en parallell, jeg tøver ikke. Mote hjalp meg til å finne dette ideelle emnet for meg selv, som jeg begynte å jobbe med. Men Margiela-maskerne - enten en avgjørende depersonalisering (under Martin selv) eller bare et dekorativt element (under Matthew Blazey): klistret over med blomster, beaded, inspirert av bildene av Lee Bowery.
Mine masker er ikke dekorative, de har en mening. Hvert element som brukes i dem kan forklares. Og sammen legger alle disse elementene opp til historien. Jeg har ikke noe mål å fortelle noe spesifikt hver gang, men for noen av mine masker kan du fortelle en historie som vil være annerledes for alle. Jeg tenker aldri på forhånd på hva jeg vil gjøre nå, at hver detalj vil bety, selv hvilke materialer jeg bruker. Alt skjer av seg selv når jeg setter meg ned og begynner å kaste masken.
Moderne mote
Fra moderne mote har jeg ikke goosebumps. Jeg vet ikke hvorfor, og jeg håper at de kommer tilbake snart. For eksempel er Off-White og Heron Preston ikke i nærheten av meg, og det eneste spørsmålet jeg spør meg selv er "Vil jeg ha det på seg eller ikke." Selv om jeg liker Craig Green, ja. Han og den sjamanske tradisjonen følte, og postapokalyptisk noe. Og emnet for innpakning, isolasjon, alle disse beskyttende materialer. Jeg liker absolutt hva Michele gjør i Gucci, Vaccarllo i Saint Laurent og til og med Galliano i Margiela.
publikum
Parallelt med utstillingen i "Pharmaceutical Garden" åpnet en annen stor utstilling "Repetition of Spring" med en rekke tulipaner og ulike eksotiske planter. Så det er nå en enorm patency - i dag, tre til fem tusen mennesker, overalt er det svinger. Masker henger i luften midt i palmer og landskap i ånden av Maya - de bor virkelig her, for dem er det et ideelt miljø. Men folkene som ser på dem, forstår ikke alltid hva det er og hvorfor. For dem er dette mer underholdning - for å finne femten masker i jungelen. På samme tid, i gallerier, hvor få mennesker kommer, og alle som forstår, liker jeg ikke hvite vegger - de er tomme, og maskerne henger på dem som lik. De kan ikke bo der. Jeg vil at de skal oppfattes som gjenstander som ingen selv ville tenke på å ha på seg. Som afrikanske masker, vil du ikke ha det: hva om det er en forbannelse? Så la min masker, som nå i Botanisk hage, henge som fantomkarakterer.
Karriere høydepunkter
Det første levende minnet som kunstner var fortsatt knyttet til mote. Jeg laget masker til designer Ria Keburia - for en samling dedikert til roboter og renessansen. Showet var i Tbilisi, og jeg så på podiet, stående på balkongen over det, og for første gang følte meg en slik ekstase fra mine egne masker: her er de her, går ned på podiet! Begge temaene, renessansen og robottene er svært nær meg. Masker er generelt veldig barokk. Og jeg elsker cyborgs med roboter også. Så denne historien var konseptuelt nær meg.
Den andre er selvfølgelig en utstilling i Grand Palais på International Biennial of Decorative and Applied Art, den ble kalt Åpenbaringer. Det var fem russiske artister. Og bare gå til Grand Palais med signaturen "artist" på merket - det er gal å gå! Masker ble utstilt der i bare tre dager, men det faktum at det skjedde i et slikt kraftsted ... Jeg, da jeg kom tilbake til Moskva, gikk til Worker og Kolkhoz Woman på kostymutstillingen under oppsyn av Natalia Kozlova. Og i en av signaturene leser jeg at Rodchenko og andre russiske avantgarde-kunstnere ble utstilt på samme sted i Grand Palais på verdensmottaket i 1925. Tenk deg, her var de der for nesten hundre år siden, og nå er jeg også, hvis ikke på verdensutstillingen, men fortsatt! Denne tanken falt bokstavelig talt på meg, og jeg dro hjem, som om det var bedøvet.
bilder: Ria Keburia, forfatterens arkiv
