Verre enn å stjele: Hvorfor er det på tide å slutte å lete etter plagiering i mote

I 1989 ble den underjordiske designeren Dapper Dankjent for sin kjærlighet til hiphop hop-sammen og logomania, fanget han den amerikanske idrettsutøveren Diane Dixon i en minkjakke med eget design - med voluminøse ermer dekorert med forkortelsen LV. Etter 28 år vises en lignende ting i Gucci cruise samlingen, og Internett eksploderer bokstavelig talt i memes: er det plagiering eller en tynn hyllest på 80-tallet legenden?

Alessandro Michele selv, den kreative direktøren til Gucci, forsikrer at den berømte Dapper Dan-kappen bare tjente som en kilde til inspirasjon for ham - det er ingen direkte taleopptak. Likevel er det vanskelig å bli kvitt følelsen av deja vu: Hvorfor bør ikke et merke bare samarbeide med en designer ved å be om å revurdere treffene sine i sammenheng med moderne mote?

Et par uker før showet på Miho-museet, nær Kyoto, presenterte en annen stor industrispiller Louis Vuitton sin cruise-samling; Den kreative direktøren til huset, Nicolas Ghesquière, jobbet sammen med den viktigste designeren av det 20. århundre, Kansay Yamamoto. Stripene som skaper den optiske illusjonen, som på David Bowies kostyme for Aladdin Sane-turen, ble inspirert av japanske kalligrafiutskrifter - alt dette leser referanser til mannens egne samlinger som forutse bølgen av japanske designers popularitet i Paris. Imidlertid skjuler Louis Vuitton ikke det: Gheskyer kaller seg en fan av Yamamoto, mens den japanske kunstneren selv satt på fremre radspill.

Spørsmålet om den sekundære naturen av moderne mote blir reist regelmessig i bransjen. Fra en oppriktig plagiering, som en oppsiktsvekkende historie om hvordan Zara brukte arbeidet til LA-baserte kunstneren Tiusdie Bassen uten hennes kjennskap til mange catwalk-samlinger av store og små merkevarer, fremkallte tanker i ånden av "et sted vi allerede har sett det." Å trekke linjen mellom frankkopiering og beryktet inspirasjon blir stadig vanskeligere - mens du snakker om hvem som brukte denne eller den som skriver eller skjærer ermene før, er en enkel mann på gaten ikke særlig bekymret.

Den berømte journalisten Angelo Flaccavento skrev mer enn en gang at vi lever i etterproduksjonsalderen - begrepet ble en gang innført av kurator og kunstkritiker Nicolas Burrio. Enkelt sagt, hele moderne kultur fra mote og design til musikk og kunst er behandling av eksisterende eller eksisterende ting. Det er nesten umulig å komme opp med noe helt nytt og uten sidestykke: Bevisst eller ikke, etterligner kunstnere på alle områder eller fortolker det som ble skapt før dem.

Det er en ting å omarbeide originalen på en slik måte at designerens håndskrift gjettes, og en annen å tankefrit stampe potensielle treff i håp om at ingen vil huske den opprinnelige kilden

I noen grad er hele historien om mote knyttet til lån. Chanel kikket ideer for hennes corporate stil à la garçonne i elementene til menns garderobe fra tidlig på 1900-tallet, spesielt med hennes elskede Arthur "Boy" Kapel. Dior oppfant ikke den berømte corolle silhuetten ut av ingenting, men reworked en kjole med en crinoline av slutten av XIX - tidlig XX århundre, modernisering det. Den skandaløse samlingen av Yves Saint Laurent i 1971 ble inspirert av den parisiske mote på 1940-tallet, og lignet en collage av ting som ble funnet i vinbutikkene på venstre bredd. Vivienne Westwood brukte ofte referanser til den historiske kostymen i hennes verk, samlet et enkelt bilde fra visuelle stykker av forskjellige epoker (senere John Galliano ville aktivt bruke denne teknikken som en del av sitt eget merke, og deretter Dior). Ideen om å sette menn i skjørt tilhørte ikke Jean-Paul Gautier - han lånte den fra den fremragende stylisten Ray Petri.

Det er mange lignende eksempler, men ingen av dem reduserer myndighetenes autoritet. Hva skiller dem da fra Vetements, som ikke bare kopierer Martin Margielas samlinger fra 1990-tallet, men til og med av jackbootsene som Julia Roberts sin heltinne hadde på seg i "Pretty Woman"? Eller fra Balmain, som i våren-sommeren 2015-samlingen viser kostymen nøyaktig det samme som i 1998-Givenchy couture-samlingen? Eller fra samme Gucci som gjorde briller for deres siste cruise-samling, akkurat som de som Goldie Hawn hadde på seg i filmen "Overbord"?

Sitering, inkludert direkte, er normalt. Men det er en ting å omarbeide originalen, slik at designerens håndskrift gjettes, og en annen å tankefrit stampe potensielle treff i håp om at ingen vil huske den opprinnelige kilden. Ta Prada Fall-Winter 2014/2015 kolleksjonen - det så ut som en moderne remake av filmen Bitter Petra Von Kant, som starter med utskrifter og fargekombinasjoner og ender med tilbehør som silkebånd som er bundet rundt halsen. Men det ville være urettferdig å beskjære Miuccia Prada med kopiering. For alle likhetene med funksjonene ser designers arbeid ut som en kvalitativ revurdering av emnet.

Faktisk ble Alessandro Michele fra det øyeblikket han så ut på motearena, oppfattet som en talentfull stylist som samlet inn relevante bilder fra eksisterende ting, bare noe som supplerer dem med litterære detaljer. Og til og med hans ide om å frigjøre modeller på t-skjorter og Gucci sweatshirts, som om de ble funnet på ruinene med forfalskninger, syntes å være en vittig utsagn om gjenstanden for den opprinnelige verdien i den moderne fasjonable agendaen.

For noen år siden oppdaget historien om Phoebe Failo, som i Céline-samlingen høst vinter 2013 kopierte designen av kappen Geoffrey Beene, skapt ti år før. Krav til den ubetinget talentfulle designeren kan presenteres som Michele i tilfelle av den "kikkede" etableringen av Dapper Dan. Filelos tillitskreditt ble imidlertid ikke redusert i tide. Ikke slå av Michele. Det antas at det siste opprinnelige tiåret i mote, med en ny, frisk og ikke tidligere eksisterende stil, var 1990-tallet: alt som skjedde innen moteutforming etterpå var en samling av referanser og sitater.

Den moderne forbrukeren krever ikke originalitet fra designeren i det hele tatt - ofte er det skapt rundt HYIP-merkevaren eller overholdelse av trender viktigere.

Delvis kan denne tilstanden være forbundet med en sterk vekst i interesse for mote merker med navn og historie. Det var på 1990-tallet at deftforhandlere som Bernard Arnaud og Francois-Henri Pino forpliktet seg til å gjenopplive de avdøde motehusene. Til stedet for kreative styremedlemmer ble unge lovende gutter tatt, hvis oppgave var å resirkulere arven til det merket som var betrodd dem, slik at de var i samsvar med deres egen estetiske visjon. Over tid ble denne tilnærmingen grunnlaget for designernes kreativitet, og handlet ikke bare som lønnsarbeidere, men skapte også samlinger for egne merkevarer. I dag låner alle - kun nivået på kvalitet er annerledes.

I mellomtiden krever en moderne forbruker ikke originalitet fra en designer i det hele tatt - ofte er de opprettet rundt HYIP-merkevaren eller overholdelse av trender blitt mye viktigere. Det er usannsynlig at de fleste vanlige folk vet hvem Dapper Dan er, og hvorfor kappen laget av Michele ikke kan kalles flyet av den fantastiske tanken til skaperen.

Mote i dag er 90% virksomhet og kun 10% kreativitet, så for nesten alle merkene er det først og fremst å selge produktet, i stedet for å produsere en strålende ide som vil leve gjennom året. Hva som har skjedd de siste fem eller syv årene på mote, kan beskrives av den kjente Internett-meme "Den unike originalen er en ynkelig parodi." Men for å behandle alt dette er verdt med litt humor: til slutt er det alltid en sjanse til å grave ut den samme originalen på eBay.

BILDER: Balenciaga, Getty bilder (1), Vetements